Animation : Apprends à animer comme Disney grâce à ses 12 principes !

Salut à toi ! Aujourd’hui, on va parler des 12 principes de l’animation qui ont été développés par les grands maîtres de Disney et qui sont la base de tout bon animateur 2D. 

Si tu veux améliorer tes compétences ou simplement découvrir une nouvelle voie dans l’art, c’est l’article qu’il te faut. 

Alors, embarque avec moi dans cette aventure pour devenir un pro de l’animation.

Les secrets pour maîtriser l’animation comme un pro

1. 1. Anticipation : L’anticipation est comme un ressort qui se tend avant de bondir. Cela prépare le spectateur à l’action qui va suivre.

Par exemple, dans le film “Le Roi Lion”, Simba prend une grande inspiration avant de rugir pour la première fois.

2. 2. Ralentissement et accélération (Slow In and Slow Out) : Imagine que tu lances une balle. Elle ralentit avant de rebondir puis accélère. Ce principe donne du poids et de la crédibilité à tes animations. 

Dans “Toy Story”, Woody se déplace lentement pour montrer sa peur puis accélère brusquement lorsqu’il saute sur la voiture télécommandée.

3. 3. Arcs : Les mouvements naturels suivent des arcs. En utilisant des arcs dans ton animation, tu rendras tes personnages plus réalistes et fluides. 

Pense à la scène de “La Belle et la Bête” où Belle danse avec la Bête, leurs mouvements suivent des arcs harmonieux.

4. 4. Timing : Le timing est comme le rythme d’une chanson. Il donne le tempo de l’animation et permet de comprendre l’intention de chaque mouvement. 

Dans “Les Indestructibles”, les mouvements rapides de Dash montrent son agilité et sa vitesse, tandis que les mouvements plus lents de Mr. Indestructible reflètent sa force et sa puissance.

5. 5. Exagération : L’exagération, c’est comme ajouter du piment à un plat, ça rend l’animation plus vivante et expressive. 

Prenons l’exemple de “Aladdin”, où le Génie change de forme et de taille de manière exagérée pour rendre ses apparitions plus spectaculaires.

6. 6. Squash et stretch : Ce principe est comme un élastique, il donne du volume et de la souplesse à tes personnages. 

Prenons “Dumbo”, les oreilles de l’éléphant se déforment et s’étirent pour montrer leur élasticité et leur légèreté.

T’es toujours avec nous ?! 🙂 Très bien, le meilleur arrive !

7. 7. Pose clé (Key Pose) : Les poses clés sont comme des jalons sur un chemin. Elles guident le spectateur à travers l’animation et mettent en évidence les moments clés de l’action.

Dans “Blanche-Neige et les Sept Nains”, la pose de la sorcière offrant la pomme empoisonnée à Blanche-Neige est un exemple de pose clé marquant un tournant dans l’histoire.

8. 8. Poses d’anticipation et de réaction (Breakdown Poses) : Ces poses sont comme les étapes intermédiaires d’une recette. Elles permettent de relier les poses clés et de rendre l’animation plus fluide. 

Par exemple, dans “La Reine des Neiges”, lorsque Elsa construit son palais de glace, on peut voir des poses d’anticipation et de réaction entre chaque mouvement de ses mains pour créer la structure.

9. 9. Décalage temporel (Staggering) : Le décalage temporel est comme un écho. Il ajoute du réalisme en décalant légèrement les actions des différents éléments d’une scène. 

Dans “Le Livre de la Jungle”, lorsque Mowgli marche avec Baloo, les mouvements de leurs bras et jambes sont légèrement décalés pour donner une impression de naturel.

10. 10. Surréalisation (Secondary Action) : La surréalisation est comme un arrière-plan qui ajoute de la profondeur à l’animation, en apportant des détails supplémentaires qui enrichissent l’action principale. 

Ici, prenons “Ratatouille”, lorsque Rémy cuisine, on peut voir d’autres rats s’affairer en arrière-plan pour préparer les ingrédients.

11. 11. Suivi et débordement (Follow Through and Overlapping Action) : Ce principe est comme une vague qui se propage. Il donne de la cohérence à l’ensemble des mouvements en liant les actions des différents éléments d’une scène. 

Dans “Tarzan”, lorsqu’il se balance de liane en liane, les mouvements de ses bras et jambes suivent la même trajectoire que celle du corps.

12. 12. Attrait (Appel) : L’attrait est comme le charme d’un personnage. Il permet de capter l’attention du spectateur et de rendre l’animation plus intéressante et attachante. 

Par exemple, dans “Bambi”, le personnage de Panpan est attachant et drôle grâce à ses expressions faciales et à son comportement espiègle.

Animation-Questions les plus fréquentes 

1. 1. Pourquoi les 12 principes de l’animation sont-ils si importants ?

Les 12 principes de l’animation sont la base de toute animation réussie. Ils permettent de donner vie et personnalité à tes personnages, et de rendre le tout plus réaliste et fluide.

2. 2. Comment puis-je appliquer les 12 principes de l’animation dans mon travail ?

Pour appliquer les 12 principes, il faut d’abord les comprendre et les maîtriser. Ensuite, entraîne-toi à les utiliser dans tes animations en te concentrant sur un principe à la fois. Cela jusqu’à ce que tu te sentes à l’aise.

3. 3. Est-ce que les 12 principes de l’animation s’appliquent uniquement à l’animation 2D ?

Non, les 12 principes de l’animation s’appliquent aussi bien à l’animation 2D qu’à l’animation 3D.

Ils sont universels et peuvent être adaptés à différents styles et techniques d’animation.

Voilà, maintenant tu connais les 12 principes de l’animation et leurs secrets. 

Grâce aux exemples issus de films d’animation populaires, tu devrais avoir une meilleure compréhension de chaque principe.

Maîtrise-les et applique-les dans tes créations. Ainsi tu pourras donner vie à tes personnages et rendre tes animations plus réalistes et fluides.

N’oublie pas que la pratique est essentielle pour progresser. Alors, lance-toi et expérimente avec ces principes pour perfectionner ton art.